Популярные статьи и заметки.
Что такое современная музыкальная неоклассика и откуда она взялась.
Новое на сайте.
2024.09.30
Зачем нужны ноты и нотная грамотность.
В последние пару десятков лет в рекламных объявлениях из социальных сетей, в которых предлагают услуги по обучению музыке (и в частности игре на фортепиано) можно увидеть текст приблизительно следующего содержания: «Научим играть без нот! Забудьте про музыкальную школу и про зубрёжку по нотам, про гаммы и сольфеджио! Наш метод гораздо проще! Наш курс уникален…» — и тому подобное.
В реальности же это означает, что в большинстве случаев вам предложат один из методов, который просто позволяет заучить какие ноты нажимать (или зажимать) и в каком порядке — с помощью соответствующих приложений или без них.
Скажу сразу, что никакого отношения к реальному обучению музыке такие способы не имеют. Когда-то Иоганн Себастьян Бах сказал: «Легко играть на любом музыкальном инструменте: всё, что вам нужно сделать, это прикоснуться к правильной клавише в правильное время и инструмент будет играть самостоятельно». Но я открою вам маленький секрет — великий композитор пошутил. Чтобы не быть обезьянкой, которая тупо повторяет нажатие определённых клавиш, необходимо много трудиться и знание и понимание написанного в нотах — один из важнейших шагов в музыкальном развитии. Пусть даже в любительском развитии, пусть даже только для себя самого. Но всё же…
Ноты — это как азбука, только для музыканта; в них написано не только какие ноты мы нажимаем, но и как мы это делаем — соединяем или играем отдельно, играем громко или тихо, быстро или медленно, как мы объединяем ноты во фразы, к чему мы ведём эти фразы, как достигаем кульминации той или иной пьесы… Кроме того, в нотах точно определено в каком ритме нам нажимать клавиши (ударять по струне, нажимать на клапан и т. д. в зависимости от музыкального инструмента), что исключает наличие разночтений в понимании тех или иных ритмических фигур, которые могут быть довольно сложны, особенно в современной, эстрадной музыке.
Автор в нотах описывает темп, в котором должно быть исполнено музыкальное сочинение и это не ограничивается только указанием количества ударов в минуту; как правило в месте с темпом указывается и общий характер сочинения. Часто же бывает и так, что этот самый характер меняется вместе с темпом на протяжении сочинения — и в нотах это тоже указывается.
В нотах может быть весьма подробно описано как нужно исполнять сочинение с точки зрения динамики. И это не просто «громко» или «тихо». Очень часто от «тихо» мы должны постепенно идти к «громко», но мы же должны знать — где начинать наш путь и где будет наивысшая точка громкости, не так ли? Всё это описывается в нотах. Также, благодаря нотам мы можем сделать вывод и о форме сочинения (песни или пьесы), что заметно облегчает процесс разучивания и даже помогает быстрее запомнить какие-то фрагменты на память. Если же мы говорим о фортепиано — в нотах указано как и когда нам использовать педали, так, чтобы игра была красивой, связной, но при этом не создавалась «грязь» из звуков (так обычно бывает, когда не знаешь когда педаль нажать, а когда снять).
В общем ноты — это очень хороший и ценный помощник как для любителя, так и для профессионала в изучении разных музыкальных сочинений — простых и сложных, современных и классических. Более того, исполнение и разучивание музыки по нотам развивает мышление и благоприятно влияет на человеческий мозг. Осмелюсь сказать даже больше: игра по нотам — это престижно!
Если же вы видите на концертах, что музыканты (например, исполнители академической музыки, особенно солисты) играют без нот — не стоит думать, что они пренебрегают разучиванием по нотам. Напротив, уровень их знания музыкального материала настолько высок, что они играют сочинение на память, чему предшествовала долгая, упорная и кропотливая работа с карандашом и нотами.
Поэтому если вы действительно хотите освоить какой-либо музыкальный инструмент, даже на любительском уровне — не покупайтесь на рекламу, в которой некие «специалисты» предлагают быстро и без особых хлопот, без знания нот научить вас владению инструментом и поверьте, это — обман. К музыке такое обучение имеет очень слабое отношение. Зато имеет прямое отношение к общей тенденции — учиться без учебников, книг, а то и без преподавателей и экзаменов. Но насколько применимы в реальной жизни знания полученные таким способом — покажет время.
К. Сокирко
Изображения в этой статье используются в соответствии с лицензией стокового сайта unsplash.com.
Цитата месяца
«Музыка— это такое чудо, которое может изменить настроение человека, облегчить его страдания и вдохновить на великие дела» — Оскар Питерсон.
2024.06.28
Старинный рояль. Как не выбросить деньги на ветер.
Часто, находясь на сайте или страничке в социальной сети какой-либо камерной концертной площадки можно прочитать, что одно из неоспоримых преимуществ данного места — старинный, антикварный рояль (или пианино) оставленный, подаренный, специально приобретённый, привезённый (нужное подчеркнуть) неким важным человеком или знаменитостью ещё бог знает в каком году. По задумке авторов текста данный факт должен произвести впечатление не только на публику, но и на исполнителей, которые хотели бы провести концерт в данном месте — раз рояль антикварный, значит и звучать должен великолепно. К слову, некоторые даже позиционируют подобное «преимущество» как один из поводов не платить музыкантам, ведь они имеют редкую возможность «прикоснуться к прекрасному». Как ни странно, во многих случаях такой подход — работает, но в реальности, как правило, всё выглядит иначе. Попробуем разобраться — почему.
Пожалуй, лучше всего начать с реальных сроков службы такого музыкального инструмента как фортепиано (очень важно понимать, кстати, что фортепиано — общее название для пианино и рояля, на всякий случай). Срок службы фортепиано, безусловно, зависит от качества и условий выдержки материалов из которого изготавливали музыкальный инструмент, ведь в каждом пианино или рояле — свыше 10 000 деталей, большая часть из которых изготовлены из дерева. Естественно, что в каждом межсезонье происходит температурное воздействие, а также воздействие влажности воздуха на эти детали и со временем они приходят в негодность.
Из вышесказанного уже можно сделать предварительный вывод, что фортепиано — это далеко не скрипка, которую в наше время можно встретить даже в виде экземпляров работ мастера Гаспаро де Сало (XVI век). Конечно и скрипка может развалиться, если должным образом за ней не ухаживать, не реставрировать и не играть на ней, но в случае с фортепиано (и из-за количества деталей в инструменте в том числе) всё сложнее.
Итак, если говорить о конкретных цифрах, то срок жизни хорошего фортепиано или даже инструмента самой высокой категории специалисты оценивают в диапазоне от 40 до 70 лет.
Несколько дольше могут прослужить инструменты высокого уровня, которые регулярно обслуживаются (настройка, регулировка, мелкий ремонт, замена деталей).
Но более всего интересно, что происходит уже после упомянутого срока, ведь часто в зоне риска оказывается и самая звучащая часть фортепиано — дека. И если дека рассохлась и требуется её замена (а следовательно фортепиано не звучит), то в большинстве случаев это означает смерть инструмента, так как замена деки дело настолько сложное и затратное, что решительно проще и выгоднее вложить средства в новый инструмент.
Однако именно инструменты с рассохшимися деталями и декой могут «поджидать» исполнителя на сценах некоторых камерных академических площадок и в джазовых клубах средней руки. Причём, в силу нескольких причин (из-за незнания, отсутствия средств на новый инструмент, невежества и в то же время желания казаться чем-то большим) собственники, руководители и арт-директора подобных заведений часто начинают позиционировать имеющийся старый рояль как нечто уникальное. Но в итоге игра профессионального пианиста на подобных «мертвецах» вызывает глубокое разочарование и ужасное чувство дискомфорта. Добавлю, что практически всё то же самое можно сказать и о большинстве возрастных и нереставрированных инструментов, которые стоят в частных квартирах и ждут неразборчивого покупателя.
Конечно, для рояля или пианино «за 70» есть другой путь — комплексная реставрация. Бывают случаи, когда при подобных работах от «старой версии» инструмента остаётся лишь базовые части (вроде корпуса и рамы), а всё остальное — заменяется. Но такие случаи весьма редки и часто целесообразны в случае проведения работ с инструментами лишь самого высокого класса.
Что же касается механики фортепиано — да, она может быть заменена. И в действительности заменить и починить можно любые её элементы, даже если западают все клавиши и стёрлись напрочь молотки. Также можно заменить и струны, можно сделать специальные работы, чтобы инструмент лучше и дольше не расстраивался (держал строй). Но к сожалению и эти манипуляции имеет финансовый смысл делать если сам инструмент стоит того — ведь совокупная стоимость деталей и работ может даже доходить до уровня цен за новое или подержанное, но вполне пригодное для занятий фортепиано (и иногда очень неплохое).
Тут читатель, который рассматривает возможность приобретения рояля или пианино, в том числе и «возрастного», может спросить: как же определить, какой инструмент покупать? Как не выкинуть деньги «на ветер», купив откровенный хлам?
Вот несколько основных советов.
— Старайтесь не рассматривать подержанные фортепиано советского периода. Как правило эти инструменты неудовлетворительного качества и состояния.
— Обязательно приглашайте на осмотр фортепианного мастера, даже если всё-таки решили приобрести советский или любой другой инструмент. Следует заранее обзавестись нужными знакомствами и иметь контакт специалиста, который готов будет дать оценку инструменту.
— Рассматривайте «старинные» и «антикварные» инструменты только в случае, если владелец утверждает, что с фортепиано проводились реставрационные работы (в идеале — если точно может назвать какие именно).
— Если речь идёт о новом инструменте — следует очень сдержанно относиться к инструментам китайских фирм или к инструментам с китайскими деталями. Качество этих инструментов и их долговечность могут очень сильно различаться. По списку марок подобных инструментов вас может проконсультировать фортепианный мастер, с которым вы должны поддерживать постоянный контакт.
— Для немузыкантов. Непосредственно перед осмотром разных инструментов — найдите возможность посмотреть качественные видео в Интернете известных пианистов, сходите в известный (желательно современный) концертный зал на концерт фортепианной музыки. Послушайте, как звучат фортепиано, попытайтесь зафиксировать это звучание в своей памяти.
— И самое главное при осмотре инструмента — играйте. Не умеете сами — попросите фортепианного мастера или знакомого музыканта. Попробуйте сопоставить звучание инструментов, которые вы слышали на концерте или в Интернете с тем, что слышите. Если инструмент звучит и звук фортепиано вам нравится — очевидно его стоить иметь ввиду.
Всё вышеописанное говорит о том, что покупать (и даже принимать в дар) фортепиано ориентируясь на его солидный возраст — категорически не рекомендуется. Инструменты «в возрасте» прошедшие комплексную реставрацию явление нечастое; встретить же такие инструменты для приобретения более всего возможно в фортепианных мастерских.
Также опрометчивым шагом будет приобретение старого фортепиано с целью его отреставрировать. Как правило даже фортепианный мастер не всегда точно сможет определить — насколько большой будет сумма вложений (в случае, если реставрация вообще целесообразна). Реалистичные расчёты смогут сделать, пожалуй, только специалисты фортепианных мастерских, которые постоянно работают в своём сегменте и всегда знают актуальные цены на комплектующие, а также все тонкости и сложности их заказа у производителей или цену самостоятельного изготовления (например, в некоторых мастерских на специальном оборудовании навивают басовые струны).
Ориентиром же в поиске может послужить зарубежное, новое или подержанное (10-30 лет, не китайское) фортепиано, которое регулярно обслуживалось, редко перевозилось и которое устанавливалось вдали от отопительных приборов. Качественные и долговечные инструменты отечественного производства, на момент написания этой статьи, к большому сожалению, не изготавливаются; технологии же и уровень качества изготовления российских фортепиано фабрики Якова Беккера (дореволюционной эпохи XIX-XX в.), которые в своё время считались одними из лучших в мире, на данный момент так и не восстановлены.
К. Сокирко
Изображения в этой статье используются в соответствии с лицензией стокового сайта unsplash.com.
Видео месяца
2024.04.26
Зачем в песнях нужна качественная мелодия и почему современные композиции «уже не те».
На просторах глобальной Сети сейчас можно найти немало материалов, которые поднимают тему сравнения качества современной эстрадной музыки и музыки, которая сочинялась и выпускалась ещё в последние два-три десятилетия прошлого века. Это могут быть достаточно подробные анализы, в том числе где затрагиваются узкоспециализированные темы, вроде тембрального и гармонического разнообразия. Неоднократно отмечается, также, что тематический материал (то есть мелодии, темы песни или инструментальной композиции) стали очень примитивными и малозапоминающимися.
В то же время, ещё великий композитор-классик и друг Моцарта Йозеф Гайдн говорил: «Найдите хорошую мелодию — и ваша композиция, какова бы она не была, будет прекрасной и непременно понравится». Он же говорил и о том, что «вся прелесть музыки — в мелодии». И действительно — если исходить из здравой логики, то гораздо дальновиднее вложить силы в поиск уникальной незабываемой мелодии или темы для композиции, чтобы эта композиторская работа стала популярной, была на слуху.
Однако у коммерции есть свой взгляд на этот вопрос и уход богатых, запоминающихся мелодий из мировой эстрады уже в наше время связан с целым рядом причин, в основе которых лежит старая идея «продать как можно больше и быстрее». Чтобы понять что происходит — нужно немного окунуться в вопросы экономики.
Мы уверенно вступили в эпоху «одноразовости» или, как говорят иначе — эпоху «фаст-фуда». Сейчас это уже напрямую касается почти всего, что нас окружает — нашего быта, досуга, нашей работы. Современная экономика ориентирована на рост ВВП — следовательно производство и продажи должны увеличиваться. Но мы с вами, в большинстве случаев, не будем покупать новую вещь (автомобиль, стиральную машину, утюг) пока старая не выйдет из строя; более того — есть вещи, которые довольно сложно сделать ещё более инновационными, чем они уже есть (например, набор столовых вилок и ложек). Количество покупателей при этом — то есть людей, живущих на нашей планете — не прибавляется в необходимом количестве, чтобы поспевать за темпом роста экономики, а качественный товар, который прослужит годы, требует больших вложений и у него будет высокая себестоимость. И конечно — такой товар потребители не будут приобретать слишком часто из-за его долговечности, а также из-за высокой цены на полке магазина.
Бизнесу же нужно заставить нас с вами покупать как можно больше, поэтому для этого возникла тенденция к снижению себестоимости товаров, что безусловно сказывается на их качестве. Именно поэтому мы сами часто приходим к выводу, что старая стиральная машина, купленная ещё в «нулевых» — ещё может служить образцом надёжности, но такого товара сейчас не сыщешь «днём с огнём». Здесь можно провести и некоторые параллели между происходящим в сегменте массового потребления товаров и ситуацией в музыкальном бизнесе.
Музыкальный бизнес тоже заинтересован в том, чтобы люди покупали как можно чаще, но текущие условия радикально отличаются от того, что происходило ещё те же сорок лет назад. С появлением возможности обмениваться аудио материалом в виде файлов и последующим восхождением на пик музыкального бизнеса стриминг-платформ эпоха покупки музыки на физических носителях закончилась. Более того, с появлением доступной цифровой звукозаписи и соответствующего программного обеспечения многие независимые музыканты и небольшие лейблы получили возможность записывать на своих небольших студиях (а затем публиковать и раскручивать) музыкальный материал самостоятельно.
То есть музыки в общественном пространстве стало намного больше и процесс создания музыкального материала стал более доступным. Но почему же, в таком случае, не стало больше хороших мелодий и запоминающихся хитов, а напротив — их становится всё меньше? Причин несколько.
Во-первых, наличие тенденции к увеличению количества музыкантов, которые могут записать какой-либо музыкальную композицию и так или иначе «выбросить» её в общественное пространство ещё не означает, что при этом в пропорциональном отношении увеличивается количество тех, кто может придумать и записать настоящий хит. Придумать оригинальный запоминающийся мотив и аранжировку высокого класса — дело достаточно непростое и затратное, особенно в условиях когда уже на сегодняшний момент времени многое перепробовано. В результате — на рынке целый вал новой музыки, но большинство является второсортным, «однодневным» продуктом, с музыкальной точки зрения.
Во-вторых, даже если музыканту удалось сгенерировать что-то неординарное и в то же время запоминающееся — его творенье, без должной поддержки, просто может «потонуть» в этом самом вале музыки. Например, довольно часто говорят о том, что формат музыкального альбома — также ушёл в прошлое с появлением стриминг-платформ. Балом сегодня правит именно формат сингла.
И это просто потому, что сингл выпускать — коммерчески выгоднее по схеме «один трек — один инфоповод», да и проще чем альбом. Благодаря формату сингла выпуск релиза упрощается, что влияет на количество выпусков в единицу времени — так отчасти и формируется вал продукции (подробнее об альбоме и сингле — тут).
В-третьих, скажем и о самой поддержке музыкальных релизов. Безусловно, без грамотного маркетинга (на который как правило нужен солидный бюджет) не обойтись. Но дело даже не только в этом. За последние годы изменился и формат продвижения. Специалисты отмечают, что для продвижения трека, например, на западную аудиторию — музыка должна сопровождать «вирусные» видео на известных платформах (TikTok, Instagram и пр.) и «быть понятной языку тела». Из чего можно сделать вывод, что для успеха продвижения акценты ещё больше должны быть смещены в сторону ритмической (а не мелодической) составляющей музыкальной композиции.
В-четвёртых, не будем, также, упускать из внимания тот факт, что есть разного рода серые способы по «накрутке» прослушиваний на аудио-сервисах — они продолжают существовать, развиваться и ими мало кто брезгует. «Накручивать» же количество прослушиваний для влияния на ранжирование в чартах (солидных и не очень) могут на абсолютно любую композицию, любого музыкального качества. К слову сказать, платформы, конечно, стараются бороться с «накруткой», совершенствуя алгоритмы анализа, но пока получается не особо успешно.
Имеет ли смысл артисту и его музыкальным продюсерам, исходя только лишь из описанного выше, думать о качестве мелодий? Вопрос, скорее, риторический, но ответ на него напрашивается сам собой. Однако это ещё не всё.
В-пятых, в музыкальном бизнесе есть такое понятие как «война громкостей», благодаря которому так называемая «музыкальность» трека во многом просто убивается. Суть явления заключается в том, что ещё в 1970-х музыкальные бизнес-менеджеры заметили, что лучше продаются песни, которые звучат громче. Но технология издания на виниле не позволяла в те времена свободно экспериментировать с громкостью. И самый разгар «гонки» за наиболее плотное воздействие на уши меломана начался с появлением цифровых форматов. Звукорежиссеры стали широко применять так называемый метод компрессии при сведении записанных инструментов и обработке финального аудио-результата. Из-за этого композиции, конечно хоть и стали громче, но в то же время в них стал сокращаться динамический диапазон — если говорить простым языком, песня становилась всё более одинаковой по громкости, в ней пропадала выразительность, «дыхание», фразы становились все менее музыкальными, иногда полностью преподала разница между тихими и громкими фрагментами, а в самой записи часто появлялись искажения.
В итоге компрессия и лимитирование, которые помогали при подъёме громкости избежать явления, которые непрофессионалы называют «перегрузом», в то же самое время отрицательно влияли на «живость» самого трека. Богатая же с мелодической точки зрения мелодия композиции требует большей динамической свободы и при сильной компрессии в такой композиции будет больше искажений.
Следовательно писать композиции с развитыми мелодиями с технической точки зрения стало совсем невыгодно, ведь их значительно сложнее сделать более громкими, чем у конкурентов, сохранив при этом нужное качество.
И даже несмотря на то, что современные стримминг-платформы уже научились выравнивать громкость при подборке треков (громких по отношению к тихим), делая бессмысленной излишнюю компрессию — этим инструментом обработки злоупотребляют до сих пор, видимо уже по привычке.
Но нужно-ли писать красивые и запоминающиеся мелодии для композиций, раз бизнесу это не особо требуется? Да, нужно. Хотя-бы потому, что написание хорошей мелодии делает композицию индивидуальной, отличают настоящую творческую работу от массового «однодневного» ширпотреба. Но многие, при этом считают, что сочинение хороших тем — дело крайне затруднительное. Ведь слишком сложная мелодия с большей вероятностью не будет запоминающейся и коммерчески успешной, а все простые мотивы уже перепеты; того и гляди кто-то из коллег подаст в суд за плагиат (что встречается всё чаще).
Однако здесь может помочь опыт композиторов-классиков — вернёмся ненадолго к цитатам. Ещё русский композитор Михаил Глинка писал: «Дело гармонии дорисовывать те черты, которых нет и не может быть в мелодии». И правда — порой дело совсем не в оригинальности мелодии, а в том как она аранжирована (гармония, о которой говорил Глинка — есть последовательность сопровождающих мелодию аккордов — один из элементов аранжировки, наряду с ритмическими, фактурными приёмами, паузами и пр.). Сказанное может подтвердить величайший Пётр Чайковский, аранжировавший простую гамму так, что мы теперь знаем этот фрагмент как адажио из балета «Щелкунчик».
Хорошая мелодия или оригинальная аранжировка — бесспорно признак не только самобытности, но и творческой зрелости музыкального проекта — будь это исполнитель, музыкант-автор или группа . Также интересная мелодия и аранжировка могут свидетельствовать о свежести, «незамыленности» мышления, что отличает истинного творца от ремесленника, работающего исключительно на финансовый результат. Поэтому конечно — на сегодняшний момент стоящие мелодии и музыкальные аранжировки, возможно и не приносят прямого дохода, но безусловно влияют на статус музыканта, уровень его аудитории и на условное «время жизни» успешных музыкальных треков.
Говоря проще — классный, уникальный мотив сейчас перешёл из коммерческой зоны в зону престижа и элитарности. Стоит ли этим пренебрегать? Решать вам, господа музыканты и продюсеры.
К. Сокирко
Изображения в этой статье используются в соответствии с лицензией стокового сайта unsplash.com.
