Популярные статьи и заметки.
Что такое современная музыкальная неоклассика и откуда она взялась.
Новоcти лейбла.
10.06.2024 на Nimus Media вышел новый сингл ансамбля из Санкт-Петербурга Fusion Point Trio.
На страницах соцсетей трио есть информация от самих участников о том, что сингл представляет собой композицию, где нашлось место сразу нескольким музыкальным жанрам.
Также высказывалось мнение, что эта композиция одна из немногих, которая наиболее полно отражает суть творческих стремлений ансамбля.
Новое на сайте.
2024.12.24
О трудностях развития и продвижения инструментальных музыкальных жанров.
Не секрет, что в нашей стране, как и во многих других странах любят песню. В России, как и в большинстве стран, вокальная музыка всегда занимала центральное место в массовой культуре, ведь песни — это более доступная и понятная форма музыкального искусства для широкой аудитории, в отличие от инструментальной музыки, которая требует определённого уровня восприятия и слушательской культуры. В нашей стране всенародная любовь к вокальному и хоровому исполнительству исходит от наших корней или наших ген, если хотите, так как музыкальная культура Руси, начиная ещё с дохристианского периода и до XVIII века, была в основном ориентирована на пение (что также тесно связано с традициями православного христианства).
Но не будем забегать вперёд, так как тема инструментальной музыки в России в целом является многогранной и комплексной. Её развитие связано с особенностями культурной и музыкальной традиции, со сложными историческими процессами, которые происходили в нашей стране в разные эпохи. С одной стороны, Россия имеет богатое наследие в области вокальной музыки, в первую очередь благодаря церковному хоровому пению и традициям народного пения. С другой стороны, традиции инструментальной музыки в стране долгое время не имели такого же яркого и устойчивого развития, как на Западе. Важным фактором, повлиявшим на это, стали не только исторические и культурные реалии, но и социально-политическая атмосфера, особенно в XX веке. Сложная и противоречивая ситуация, связанная с инструментальной музыкой в России, требует более глубокого осмысления, чтобы понять, как она развивалась и какие факторы повлияли на её популярность и востребованность.
До принятия христианства и много позже Русь не имела глубокой самостоятельной традиции инструментальной музыки. Важнейшей составляющей музыкальной практики того времени было именно пение. Одним из основополагающих элементов древнерусской культуры было голосовое исполнение – пение как часть обрядов и повседневной жизни. Музыка в Руси до принятия христианства играла важную роль в народных праздниках, обрядах и в работе, но вся эта музыка, как правило, была вокальной, которая служила не только эстетическим, но и социальным целям. Принятие христианства, с его акцентом на церковное пение (в частности, на церковный хор), также укрепило позицию вокала в русской музыкальной культуре.
Конечно, русская народная музыка включала традиции игры на различных инструментах (таких как дудка, гусли, бубен и др.), но звучание этих инструментов было скорее сопутствующим в контексте народного пения, чем самостоятельным в исполнительских формах. Инструментальная музыка в её «чистом» виде начала развиваться в России позднее, особенно с приходом европейской музыкальной культуры в XVIII-XIX веках.
На Западе же развитие инструментальной музыки имеет гораздо более глубокие исторические корни. Уже в эпоху Ренессанса в Европе существовали музыкальные традиции, включая органную музыку, музыку для струнных инструментов. Церковь играла ключевую роль в развитии инструментальной музыки — орган был не только важным инструментом в христианских храмах, но и основой для последующего развития европейской инструментальной традиции. Но, пожалуй, более важно отметить роль культуры танца. В Европе, инструментальная музыка развивалась значительно раньше и сильнее, отчасти из-за того, что в ряде стран (например, в Италии, Франции, Англии) танцевальная музыка стала основой для формирования независимой инструментальной традиции. Танцевальные традиции (особенно в народной культуре) на Западе играли большую роль, поскольку танцы часто становились сопровождением для разного рода событий, а музыка, сопровождающая танцы, становилась основой для развития инструментальных жанров, таких как сюита, соната и другие.
Этот процесс также был усилен развитием профессиональных музыкантов и композиторов, которые специализировались именно на инструментальных произведениях. И начиная с эпохи Барокко (XVI–XVIII века) и далее, в Европе постепенно начинают появляться различные самостоятельные инструментальные музыкальные жанры, такие как, концерт, фуга, увертюра, уже упомянутые соната, сюита, партита и другие.
Если же переместиться в XX век (минуя эпоху классицизма и романтизма, в которых развитие инструментальной музыки активно продолжалось) — то с появлением новейших жанров, инструментальная музыка стала неотъемлемой частью западной музыкальной культуры. Здесь можно проследить, как на Западе возникали оркестровые и ансамблевые традиции, которые затем продолжили развиваться в более демократичных формах не только академической, но и современной эстрадной музыки (если говорить о таких направлениях как джаз или рок).
Но вернёмся к нашей стране. С эпохи Петра I в России начинается активное заимствование западных культурных и музыкальных традиций. Петр, стремившийся модернизировать Россию, активно внедрял западноевропейские культурные и научные практики — это касалось и музыки. Но даже несмотря на действия Петра, музыкальная культура России оставалась в значительной степени ориентированной на вокальную музыку. Это касалось как народной музыки, так и высокого искусства.
Вокальная музыка продолжала оставаться более популярной даже в XIX веке, когда формировалась и развивалась русская композиторская школа (Глинка, Даргомыжский, позже — композиторы «Могучей кучки»). Опера, романс, хоровые сочинения были в центре музыкальной жизни. Инструментальная музыка, конечно также развивалась — например, если говорить о музыке Чайковского, позже — Рахманинова, но её массовая популярность была ограничена более узким кругом слушателей.
В XX веке, особенно в Советский период, продолжилась линия акцента на вокальной музыке. И несмотря на успехи таких композиторов, как Д. Шостакович и С. Прокофьев, инструментальная музыка всё же оставалась в меньшинстве, а популярность вокально-хоровых жанров находилась на весьма высоком уровне.
В этот же временной период важной частью культурной политики становится эстрадная музыка. Она — мощный инструмент пропаганды, и ещё большую роль в музыкальной жизни страны начинает играть именно песня, в том числе в жанре «массовой музыки». Популяризация же инструментальной музыки в Советском Союзе не получает глобального развития так как музыка с голосом, особенно в виде популярных песен, была проще для восприятия и служила важной социальной и идеологической цели – она должна была «просто и понятно» передавать массовую идею.
В это время возникли новые звезды — композиторы-песенники, такие как Матвей Блантер, Александра Пахмутова, Оскар Фельцман, которые стали культовыми фигурами в советской музыке. Песни,адресованные народу, легко воспринимались, и сами композиторы становились народными любимцами. Сегодня такая ситуация во многом сохраняется: композиторы-песенники в России часто являются намного более известными и успешными, чем композиторы, работающие в сфере инструментальной музыки. Одновременно это является и проблемой, если говорить не только о вышеупомянутых авторах, но и уже о более современных эстрадных композиторах (например, таких, как И. Крутой, И. Матвиенко и других). Ведь их признание часто связано с массовым и очень широким охватом слушателей, но отнюдь не всегда с качеством музыки. Да, эти композиторы создали десятки песен, которые стали частью музыкального песенного наследия, и это помогло им стать знаковыми фигурами, даже несмотря на некоторую повторяемость их творчества. Но всё-таки подчеркну — речь здесь идёт не только и не сколько о музыкальном таланте, сколько о востребованности самого жанра песни в массовой культуре.
Стоит добавить, что многие молодые композиторы, воспитанные в условиях популярной музыки, часто склоняются к созданию музыкальных произведений, которые ориентированы на массовый вкус, оставляя в стороне академическое творчество, которому они обучались. Это, в свою очередь, также затрудняет развитие инструментальной музыки в нашей стране, поскольку многие творцы не видят для себя актуальности и поддержки в создании сложных инструментальных произведений. Хотя ещё в Советском Союзе существовала государственная поддержка классической музыки, которая выражалась в финансировании государственных оркестров, театров и филармоний, тем не менее, инструментальная академическая музыка была довольно изолирована от широкой публики. В СССР она часто воспринималась как искусство «для элиты», не всегда доступное широкой аудитории. Сегодня ситуация изменилась, но инструментальная академическая музыка в России всё ещё остаётся нишевым жанром, который, понятное дело, не имеет такого массового интереса, как вокальная музыка или эстрадная поп-музыка.
Тема же эстрадной музыки — отдельная история. На Западе эстрадная музыка, включая инструментальные жанры (например, репертуар джаз и поп-оркестров), имеет гораздо более глубокие исторические корни и традиции. В Советском Союзе, несмотря на наличие эстрадных оркестров и инструментальных ансамблей, эстрадная музыка долгое время была в тени официальной культуры и инструментальные композиции в жанре эстрады не получали столь же широкого распространения, как вокальные сочинения. Инструментальная музыка западного типа (например, джаз) на русском пространстве оказалась даже намного более нишевым явлением, если сравнивать с музыкой академической.
Сегодня в России интерес к инструментальной эстрадной музыке безусловно существует (рок, джаз, инструментальный блюз, электронная музыка), но эта сфера остаётся явно менее массовой, чем в странах Западной Европы, не говоря о США; говоря проще — в нашей стране внимание к эстрадной инструментальной музыке всё ещё остаётся на уровне незначительных экспериментов.
Ну а что же на самом Западе? Здесь ситуация несколько иная. Инструментальная музыка, как уже говорилось, имеет более глубокие исторические корни, что сказывается не только на академических направлениях, но и на эстрадных. В странах Западной Европы, к примеру, существовали и продолжают существовать мощные институты поддержки эстрадной инструментальной музыки, такие как звукозаписывающие компании, радио и телевидение, музыкальные фестивали и конкурсы. Джаз, рок, блюз и другие жанры инструментальной музыки на Западе развивались в «культурной среде», где институциональная поддержка была заложена на уровне культурной политики и бизнеса. В этой среде артистам предоставлялась возможность не только развивать свои творческие идеи, но и получать прибыль от продажи записей, гастролей и участия в культурных мероприятиях. Это обеспечивает на протяжении уже многих десятилетий стабильное существование и развитие жанра.
Но наша страна могла бы ситуацию изменить. Сейчас даже самые талантливые музыканты и ансамбли сталкиваются с трудностями при продвижении своих проектов. Недостаток инвестиций в эту сферу, отсутствие широких каналов для распространения музыки и недостаточная поддержка на государственном уровне — это большая проблема и в первую очередь это проблема именно эстрадной инструментальной музыки. Но инструментальная музыка в России может занять достойное место в музыкальной культуре, если будет выстроена системная поддержка и активно использованы возможности для её популяризации. Конечно песня по-прежнему будет доминирующим жанром с точки зрения восприятия в общемировом масштабе, в силу её доступности, универсальности и способности передавать эмоции, которые воспринимаются без дополнительных усилий. Хотя инструментальная музыка может быть глубоко эмоциональной, её восприятие требует от слушателя большей вовлечённости и подготовленности. Но это не значит, что мы (государство, бизнес, деятели культуры, медиа) не можем влиять на степень этой самой вовлечённости.
Так что же можно сделать?
Необходимо активно развивать традицию музыкального образования, более широко ориентированного на инструментальное искусство. Важно включать в образовательные программы изучение всей палитры инструментальных жанров, а также обучать студентов не только исполнению, но и основам композиции и аранжировки в жанре инструментальной музыки.
Одним из важных факторов является продвижение инструментальной музыки через массовые каналы, такие как телевидение, радио и интернет-платформы. Важно создать специальное пространство для инструментальных произведений, которое было бы доступно широкому кругу слушателей и в целом наладить механизмы поддержки и продвижения инструментальной музыки в массовой культуре. Государственная поддержка музыкальных коллективов, создание площадок для инструментальных концертов и фестивалей, развитие музыкальных телеканалов и радиостанций (и даже отдельных, неединичных шоу) — могут существенно улучшить ситуацию.
Инструментальная музыка на стыке жанров (например, синтез классической и электронной музыки, инструментальная музыка с элементами джаза, рок и даже поп-музыки) может привлечь внимание молодёжи, если будет использована в контексте более популярных жанров. В этом плане сотрудничество между композиторами инструментальной музыки и артистами популярной музыки или продюсерами может стать хорошей платформой для продвижения (например, использование оркестровых аранжировок для популярных песен, создание инструментальных версий известных хитов и т. д.).
Государственная поддержка в виде субсидий, грантов и финансирования культурных инициатив — важнейший фактор, способствующий развитию инструментальной музыки. Важны культурные мероприятия, фестивали, конкурсы, на которых будет представлена не только классическая, но и современная инструментальная музыка. Программы поддержки молодых композиторов, оркестров и ансамблей, а также развитие грантовых программ для создания новых произведений могут сыграть ключевую роль в популяризации инструментальной музыки. Важным шагом могло бы стать и создание национальных наград или премий в области инструментальной музыки, что позволило бы привлечь внимание общественности и СМИ к этому жанру.
И конечно, стоит отметить важность популяризации эстрадной инструментальной музыки через «живые» выступления. В России может быть полезным создание концертов и шоу с живыми выступлениями инструментальной музыки, как в классическом, так и в более современных жанрах (например, с элементами джаза, фьюжн, электронной музыки). Это создаст возможность для более непосредственного общения между музыкантами и слушателями, и будет способствовать формированию сообщества любителей инструментальной музыки.
Российская музыкальная культура имеет богатое наследие, однако инструментальная музыка (и особенно эстрадная) традиционно остаётся на периферии культурной жизни. Это связано с историческими особенностями, культурными предпочтениями и общественным вкусом. Популяризация инструментальной музыки, как в академической, так и в эстрадной форме, в России требует комплексного подхода, который включает в себя активное продвижение через образовательные, культурные и медийные каналы. Песня, как жанр, несомненно, останется более популярной и доступной для широкой аудитории, но с правильной поддержкой и инновационными подходами — вполне возможно создать условия для устойчивого роста интереса к инструментальной музыке. Будем надеяться, что нужные механизмы для создания этих условий обязательно появятся в недалёком будущем — ведь тенденция к этому, в целом, есть.
Подготовил К. Сокирко
Изображения в этой статье используются в соответствии с лицензией стокового сайта unsplash.com.
Цитата месяца
«Музыка— это такое чудо, которое может изменить настроение человека, облегчить его страдания и вдохновить на великие дела» — Оскар Питерсон.
Это может быть интересно
E. S. T. Больше чем джаз. От основания до наших дней.
Аранжировщики. Кто это?
Билл Эванс. Мастер камерного джаза.
Быть музыкантом. Семь раз отмерь…
Выбираем рояль для выступлений и занятий. Миф о «старинных», «антикварных» роялях и пианино.
Георгий Свиридов: русский о русском.
Два скрипичных концерта Шостаковича
Джаз. Искусство или нет?
Джазовые пианисты и классическая музыка.
Джон «Диззи» Гиллеспи и бибоп революция
Дмитрий Бортнянский и композиторская школа.
Евгений Светланов. Дирижёр, композитор, пианист.
Игорь Стравинский или «человек с тысячью лиц».
Интернет-лейбл. Понятие. Перспективы
Искусство и пандемия. Что день грядущий мне готовит?
Йозеф Гайдн. Историческая значимость творчества композитора.
Кристоф Глюк, «Орфей» и оперная реформа.
Кто такой дирижёр?
Мишель Петруччиани. Большое сердце маленького человека.
Музыкальный альбом: рождение, проблемы и перспективы.
Мы и Чайковский
Неоклассика. История современной музыкальной фальсификации.
Ноты: пережиток прошлого или необходимость?
Отто Клемперер. Новое издание.
Прогрессивный металл — проблемы эволюции.
Ростки искусства на могиле спорта.
Современная эстрадная песня. Куда пропала мелодия?
Чему джаз учит нас
Чик Кориа. Ушла легенда.
2024.09.30
Зачем нужны ноты и нотная грамотность.
В последние десятилетия в рекламных объявлениях, которые описывают услуги по обучению музыке (и в частности игре на фортепиано), можно увидеть текст приблизительно следующего содержания: «Научим играть без нот! Забудьте про музыкальную школу и про зубрёжку по нотам, про гаммы и сольфеджио! Наш метод гораздо проще! Наш курс уникален…» — и тому подобное.
В реальности же это означает, что в большинстве случаев вам предложат один из методов, который просто позволяет заучить какие ноты нажимать (или зажимать) и в каком порядке — с помощью соответствующих приложений или без них.
Скажу сразу, что никакого отношения к реальному обучению музыке такие способы не имеют. Когда-то Иоганн Себастьян Бах сказал: «Легко играть на любом музыкальном инструменте: всё, что вам нужно сделать, это прикоснуться к правильной клавише в правильное время и инструмент будет играть самостоятельно». Но я открою вам маленький секрет — великий композитор пошутил. Чтобы не быть обезьянкой, которая тупо повторяет нажатие определённых клавиш, необходимо много трудиться и знание и понимание написанного в нотах — один из важнейших шагов в музыкальном развитии. Пусть даже в любительском развитии, пусть даже только для себя самого. Но всё же…
Ноты — это как азбука, только для музыканта; в них написано не только какие ноты мы нажимаем, но и как мы это делаем — соединяем или играем отдельно, играем громко или тихо, быстро или медленно, как мы объединяем ноты во фразы, к чему мы ведём эти фразы, как достигаем кульминации той или иной пьесы… Кроме того, в нотах точно определено в каком ритме нам нажимать клавиши (ударять по струне, нажимать на клапан и т. д. в зависимости от музыкального инструмента), что исключает наличие разночтений в понимании тех или иных ритмических фигур, которые могут быть довольно сложны, особенно в современной, эстрадной музыке.
Автор в нотах описывает темп, в котором должно быть исполнено музыкальное сочинение и это не ограничивается только указанием количества ударов в минуту; как правило в месте с темпом указывается и общий характер сочинения. Часто же бывает и так, что этот самый характер меняется вместе с темпом на протяжении сочинения — и в нотах это тоже указывается.
В нотах может быть весьма подробно описано как нужно исполнять сочинение с точки зрения динамики. И это не просто «громко» или «тихо». Очень часто от «тихо» мы должны постепенно идти к «громко», но мы же должны знать — где начинать наш путь и где будет наивысшая точка громкости, не так ли? Всё это описывается в нотах. Также, благодаря нотам мы можем сделать вывод и о форме сочинения (песни или пьесы), что заметно облегчает процесс разучивания и даже помогает быстрее запомнить какие-то фрагменты на память. Если же мы говорим о фортепиано — в нотах указано как и когда нам использовать педали, так, чтобы игра была красивой, связной, но при этом не создавалась «грязь» из звуков (так обычно бывает, когда не знаешь когда педаль нажать, а когда снять).
В общем ноты — это очень хороший и ценный помощник как для любителя, так и для профессионала в изучении разных музыкальных сочинений — простых и сложных, современных и классических. Более того, исполнение и разучивание музыки по нотам развивает мышление и благоприятно влияет на человеческий мозг. Осмелюсь сказать даже больше: игра по нотам — это престижно!
Если же вы видите на концертах, что музыканты (например, исполнители академической музыки, особенно солисты) играют без нот — не стоит думать, что они пренебрегают разучиванием по нотам. Напротив, уровень их знания музыкального материала настолько высок, что они играют сочинение на память, чему предшествовала долгая, упорная и кропотливая работа с карандашом и нотами.
Поэтому, если вы действительно хотите освоить какой-либо музыкальный инструмент, даже на любительском уровне — не покупайтесь на рекламу, в которой некие «специалисты» предлагают быстро и без особых хлопот, без знания нот научить вас владению инструментом и поверьте, это — обман. К музыке такое обучение имеет очень слабое отношение. Зато имеет прямое отношение к общей тенденции — учиться без учебников, книг, а то и без преподавателей и экзаменов. Но насколько применимы в реальной жизни знания полученные таким способом — покажет время.
К. Сокирко
Изображения в этой статье используются в соответствии с лицензией стокового сайта unsplash.com.
Видео месяца
2024.06.28
Старинный рояль. Как не выбросить деньги на ветер.
Часто, находясь на сайте или страничке в социальной сети какой-либо камерной концертной площадки можно прочитать, что одно из неоспоримых преимуществ данного места — старинный, антикварный рояль (или пианино) оставленный, подаренный, специально приобретённый, привезённый (нужное подчеркнуть) неким важным человеком или знаменитостью ещё бог знает в каком году. По задумке авторов текста данный факт должен произвести впечатление не только на публику, но и на исполнителей, которые хотели бы провести концерт в данном месте — раз рояль антикварный, значит и звучать должен великолепно. К слову, некоторые даже позиционируют подобное «преимущество» как один из поводов не платить музыкантам, ведь они имеют редкую возможность «прикоснуться к прекрасному». Как ни странно, во многих случаях такой подход — работает, но в реальности, как правило, всё выглядит иначе. Попробуем разобраться — почему.
Пожалуй, лучше всего начать с реальных сроков службы такого музыкального инструмента как фортепиано (очень важно понимать, кстати, что фортепиано — общее название для пианино и рояля, на всякий случай). Срок службы фортепиано, безусловно, зависит от качества и условий выдержки материалов из которого изготавливали музыкальный инструмент, ведь в каждом пианино или рояле — свыше 10 000 деталей, большая часть из которых изготовлены из дерева. Естественно, что в каждом межсезонье происходит температурное воздействие, а также воздействие влажности воздуха на эти детали и со временем они приходят в негодность.
Из вышесказанного уже можно сделать предварительный вывод, что фортепиано — это далеко не скрипка, которую в наше время можно встретить даже в виде экземпляров работ мастера Гаспаро де Сало (XVI век). Конечно и скрипка может развалиться, если должным образом за ней не ухаживать, не реставрировать и не играть на ней, но в случае с фортепиано (и из-за количества деталей в инструменте в том числе) всё сложнее.
Итак, если говорить о конкретных цифрах, то срок жизни хорошего фортепиано или даже инструмента самой высокой категории специалисты оценивают в диапазоне от 40 до 70 лет.
Несколько дольше могут прослужить инструменты высокого уровня, которые регулярно обслуживаются (настройка, регулировка, мелкий ремонт, замена деталей).
Но более всего интересно, что происходит уже после упомянутого срока, ведь часто в зоне риска оказывается и самая звучащая часть фортепиано — дека. И если дека рассохлась и требуется её замена (а следовательно фортепиано не звучит), то в большинстве случаев это означает смерть инструмента, так как замена деки дело настолько сложное и затратное, что решительно проще и выгоднее вложить средства в новый инструмент.
Однако именно инструменты с рассохшимися деталями и декой могут «поджидать» исполнителя на сценах некоторых камерных академических площадок и в джазовых клубах средней руки. Причём, в силу нескольких причин (из-за незнания, отсутствия средств на новый инструмент, невежества и в то же время желания казаться чем-то большим) собственники, руководители и арт-директора подобных заведений часто начинают позиционировать имеющийся старый рояль как нечто уникальное. Но в итоге игра профессионального пианиста на подобных «мертвецах» вызывает глубокое разочарование и ужасное чувство дискомфорта. Добавлю, что практически всё то же самое можно сказать и о большинстве возрастных и нереставрированных инструментов, которые стоят в частных квартирах и ждут неразборчивого покупателя.
Конечно, для рояля или пианино «за 70» есть другой путь — комплексная реставрация. Бывают случаи, когда при подобных работах от «старой версии» инструмента остаётся лишь базовые части (вроде корпуса и рамы), а всё остальное — заменяется. Но такие случаи весьма редки и часто целесообразны в случае проведения работ с инструментами лишь самого высокого класса.
Что же касается механики фортепиано — да, она может быть заменена. И в действительности заменить и починить можно любые её элементы, даже если западают все клавиши и стёрлись напрочь молотки. Также можно заменить и струны, можно сделать специальные работы, чтобы инструмент лучше и дольше не расстраивался (держал строй). Но к сожалению и эти манипуляции имеет финансовый смысл делать если сам инструмент стоит того — ведь совокупная стоимость деталей и работ может даже доходить до уровня цен за новое или подержанное, но вполне пригодное для занятий фортепиано (и иногда очень неплохое).
Тут читатель, который рассматривает возможность приобретения рояля или пианино, в том числе и «возрастного», может спросить: как же определить, какой инструмент покупать? Как не выкинуть деньги «на ветер», купив откровенный хлам?
Вот несколько основных советов.
— Старайтесь не рассматривать подержанные фортепиано советского периода. Как правило эти инструменты неудовлетворительного качества и состояния.
— Обязательно приглашайте на осмотр фортепианного мастера, даже если всё-таки решили приобрести советский или любой другой инструмент. Следует заранее обзавестись нужными знакомствами и иметь контакт специалиста, который готов будет дать оценку инструменту.
— Рассматривайте «старинные» и «антикварные» инструменты только в случае, если владелец утверждает, что с фортепиано проводились реставрационные работы (в идеале — если точно может назвать какие именно).
— Если речь идёт о новом инструменте — следует очень сдержанно относиться к инструментам китайских фирм или к инструментам с китайскими деталями. Качество этих инструментов и их долговечность могут очень сильно различаться. По списку марок подобных инструментов вас может проконсультировать фортепианный мастер, с которым вы должны поддерживать постоянный контакт.
— Для немузыкантов. Непосредственно перед осмотром разных инструментов — найдите возможность посмотреть качественные видео в Интернете известных пианистов, сходите в известный (желательно современный) концертный зал на концерт фортепианной музыки. Послушайте, как звучат фортепиано, попытайтесь зафиксировать это звучание в своей памяти.
— И самое главное при осмотре инструмента — играйте. Не умеете сами — попросите фортепианного мастера или знакомого музыканта. Попробуйте сопоставить звучание инструментов, которые вы слышали на концерте или в Интернете с тем, что слышите. Если инструмент звучит и звук фортепиано вам нравится — очевидно его стоить иметь ввиду.
Всё вышеописанное говорит о том, что покупать (и даже принимать в дар) фортепиано ориентируясь на его солидный возраст — категорически не рекомендуется. Инструменты «в возрасте» прошедшие комплексную реставрацию явление нечастое; встретить же такие инструменты для приобретения более всего возможно в фортепианных мастерских.
Также опрометчивым шагом будет приобретение старого фортепиано с целью его отреставрировать. Как правило даже фортепианный мастер не всегда точно сможет определить — насколько большой будет сумма вложений (в случае, если реставрация вообще целесообразна). Реалистичные расчёты смогут сделать, пожалуй, только специалисты фортепианных мастерских, которые постоянно работают в своём сегменте и всегда знают актуальные цены на комплектующие, а также все тонкости и сложности их заказа у производителей или цену самостоятельного изготовления (например, в некоторых мастерских на специальном оборудовании навивают басовые струны).
Ориентиром же в поиске может послужить зарубежное, новое или подержанное (10-30 лет, не китайское) фортепиано, которое регулярно обслуживалось, редко перевозилось и которое устанавливалось вдали от отопительных приборов. Качественные и долговечные инструменты отечественного производства, на момент написания этой статьи, к большому сожалению, не изготавливаются; технологии же и уровень качества изготовления российских фортепиано фабрики Якова Беккера (дореволюционной эпохи XIX-XX в.), которые в своё время считались одними из лучших в мире, на данный момент так и не восстановлены.
К. Сокирко
Изображения в этой статье используются в соответствии с лицензией стокового сайта unsplash.com.
