Главная.

Популярные статьи и заметки.

  • Что такое современная музыкальная неоклассика и откуда она взялась.

Новое на сайте.

2024.04.26

Зачем в песнях нужна качественная мелодия и почему современные композиции «уже не те».

На просторах глобальной Сети сейчас можно найти немало материалов, которые поднимают тему сравнения качества современной эстрадной музыки и музыки, которая сочинялась и выпускалась ещё в последние два-три десятилетия прошлого века. Это могут быть достаточно подробные анализы, в том числе где затрагиваются узкоспециализированные темы, вроде тембрального и гармонического разнообразия. Неоднократно отмечается, также, что тематический материал (то есть мелодии, темы песни или инструментальной композиции) стали очень примитивными и малозапоминающимися.

В то же время, ещё великий композитор-классик и друг Моцарта Йозеф Гайдн говорил: «Найдите хорошую мелодию — и ваша композиция, какова бы она не была, будет прекрасной и непременно понравится». Он же говорил и о том, что «вся прелесть музыки — в мелодии». И действительно — если исходить из здравой логики, то гораздо дальновиднее вложить силы в поиск уникальной незабываемой мелодии или темы для композиции, чтобы эта композиторская работа стала популярной, была на слуху.

Однако у коммерции есть свой взгляд на этот вопрос и уход богатых, запоминающихся мелодий из мировой эстрады уже в наше время связан с целым рядом причин, в основе которых лежит старая идея «продать как можно больше и быстрее». Чтобы понять что происходит — нужно немного окунуться в вопросы экономики.

Мы уверенно вступили в эпоху «одноразовости» или, как говорят иначе — эпоху «фаст-фуда». Сейчас это уже напрямую касается почти всего, что нас окружает — нашего быта, досуга, нашей работы. Современная экономика ориентирована на рост ВВП — следовательно производство и продажи должны увеличиваться. Но мы с вами, в большинстве случаев, не будем покупать новую вещь (автомобиль, стиральную машину, утюг) пока старая не выйдет из строя; более того — есть вещи, которые довольно сложно сделать ещё более инновационными, чем они уже есть (например, набор столовых вилок и ложек). Количество покупателей при этом — то есть людей, живущих на нашей планете — не прибавляется в необходимом количестве, чтобы поспевать за темпом роста экономики, а качественный товар, который прослужит годы, требует больших вложений и у него будет высокая себестоимость. И конечно — такой товар потребители не будут приобретать  слишком часто из-за его долговечности, а также из-за высокой цены на полке магазина.

Бизнесу же нужно заставить нас с вами покупать как можно больше, поэтому для этого возникла тенденция к снижению себестоимости товаров, что безусловно сказывается на их качестве. Именно поэтому мы сами часто приходим к выводу, что старая стиральная машина, купленная ещё в «нулевых» — ещё может служить образцом надёжности, но такого товара сейчас не сыщешь «днём с огнём». Здесь можно провести и некоторые параллели между происходящим в сегменте массового потребления товаров и ситуацией в музыкальном бизнесе.

Музыкальный бизнес тоже заинтересован в том, чтобы люди покупали как можно чаще, но текущие условия радикально отличаются от того, что происходило ещё те же сорок лет назад. С появлением возможности обмениваться аудио материалом в виде файлов и последующим восхождением на пик музыкального бизнеса стриминг-платформ эпоха покупки музыки на физических носителях закончилась. Более того, с появлением доступной цифровой звукозаписи и соответствующего программного обеспечения многие независимые музыканты и небольшие лейблы получили возможность записывать на своих небольших студиях (а затем публиковать и раскручивать) музыкальный материал самостоятельно.

То есть музыки в общественном пространстве стало намного больше и процесс создания музыкального материала стал более доступным. Но почему же, в таком случае, не стало больше хороших мелодий и запоминающихся хитов, а напротив — их становится всё меньше? Причин несколько.

Во-первых, наличие тенденции к увеличению количества музыкантов, которые могут записать какой-либо музыкальную композицию и так или иначе «выбросить» её в общественное пространство ещё не означает, что при этом в пропорциональном отношении увеличивается количество тех, кто может придумать и записать настоящий хит. Придумать оригинальный запоминающийся мотив и аранжировку высокого класса — дело достаточно непростое и затратное, особенно в условиях когда уже на сегодняшний момент времени многое перепробовано. В результате — на рынке целый вал новой музыки, но большинство является второсортным, «однодневным» продуктом, с музыкальной точки зрения.

Во-вторых, даже если музыканту удалось сгенерировать что-то неординарное и в то же время запоминающееся — его творенье, без должной поддержки, просто может «потонуть» в этом самом вале музыки. Например, довольно часто говорят о том, что формат музыкального альбома — также ушёл в прошлое с появлением стриминг-платформ. Балом сегодня правит именно формат сингла. 

И это просто потому, что сингл выпускать — коммерчески выгоднее по схеме «один трек — один инфоповод», да и проще чем альбом. Благодаря формату сингла выпуск релиза упрощается, что влияет на количество выпусков в единицу времени — так отчасти и формируется вал продукции (подробнее об альбоме и сингле — тут).

В-третьих, скажем и о самой поддержке музыкальных релизов. Безусловно, без грамотного маркетинга (на который как правило нужен солидный бюджет) не обойтись. Но дело даже не только в этом. За последние годы изменился и формат продвижения. Специалисты отмечают, что для продвижения трека, например, на западную аудиторию — музыка должна сопровождать «вирусные» видео на известных платформах (TikTok, Instagram и пр.) и «быть понятной языку тела». Из чего можно сделать вывод, что для успеха продвижения акценты ещё больше должны быть смещены в сторону ритмической (а не мелодической) составляющей музыкальной композиции.

В-четвёртых, не будем, также, упускать из внимания тот факт, что есть разного рода серые способы по «накрутке» прослушиваний на аудио-сервисах — они продолжают существовать, развиваться и ими мало кто брезгует. «Накручивать» же количество прослушиваний для влияния на ранжирование в чартах (солидных и не очень) могут на абсолютно любую композицию, любого музыкального качества. К слову сказать, платформы, конечно, стараются бороться с «накруткой», совершенствуя алгоритмы анализа, но пока получается не особо успешно.

Имеет ли смысл артисту и его музыкальным продюсерам, исходя только лишь из описанного выше, думать о качестве мелодий? Вопрос, скорее, риторический, но ответ на него напрашивается сам собой. Однако это ещё не всё.

В-пятых, в музыкальном бизнесе есть такое понятие как «война громкостей», благодаря которому так называемая «музыкальность» трека во многом просто убивается. Суть явления заключается в том, что ещё в 1970-х музыкальные бизнес-менеджеры заметили, что лучше продаются песни, которые звучат громче. Но технология издания на виниле не позволяла в те времена свободно экспериментировать с громкостью. И самый разгар «гонки» за наиболее плотное воздействие на уши меломана начался с появлением цифровых форматов. Звукорежиссеры стали широко применять так называемый метод компрессии при сведении записанных инструментов и обработке финального аудио-результата. Из-за этого композиции, конечно хоть и стали громче, но в то же время в них стал сокращаться динамический диапазон — если говорить простым языком, песня становилась всё более одинаковой по громкости, в ней пропадала выразительность, «дыхание», фразы становились все менее музыкальными, иногда полностью преподала разница между тихими и громкими фрагментами, а в самой записи часто появлялись искажения.

В итоге компрессия и лимитирование, которые помогали при подъёме громкости избежать явления, которые непрофессионалы называют «перегрузом», в то же самое время отрицательно влияли на «живость» самого трека. Богатая же с мелодической точки зрения мелодия композиции требует большей динамической свободы и при сильной компрессии в такой композиции будет больше искажений.

Следовательно писать композиции с развитыми мелодиями с технической точки зрения стало совсем невыгодно, ведь их значительно сложнее сделать более громкими, чем у конкурентов, сохранив при этом нужное качество.

И даже несмотря на то, что современные стримминг-платформы уже научились выравнивать громкость при подборке треков (громких по отношению к тихим), делая бессмысленной излишнюю компрессию — этим инструментом обработки злоупотребляют до сих пор, видимо уже по привычке.

Но нужно-ли писать красивые и запоминающиеся мелодии для композиций, раз бизнесу это не особо требуется? Да, нужно. Хотя-бы потому, что написание хорошей мелодии делает композицию индивидуальной, отличают настоящую творческую работу от массового «однодневного» ширпотреба. Но многие, при этом считают, что сочинение хороших тем — дело крайне затруднительное. Ведь слишком сложная мелодия с большей вероятностью не будет запоминающейся и коммерчески успешной, а все простые мотивы уже перепеты; того и гляди кто-то из коллег подаст в суд за плагиат (что встречается всё чаще).

Однако здесь может помочь опыт композиторов-классиков — вернёмся ненадолго к цитатам. Ещё русский композитор Михаил Глинка писал: «Дело гармонии дорисовывать те черты, которых нет и не может быть в мелодии». И правда — порой дело совсем не в оригинальности мелодии, а в том как она аранжирована (гармония, о которой говорил Глинка — есть последовательность сопровождающих мелодию аккордов — один из элементов аранжировки, наряду с ритмическими, фактурными приёмами, паузами и пр.). Сказанное может подтвердить величайший Пётр Чайковский, аранжировавший простую гамму так, что мы теперь знаем этот фрагмент как адажио из балета «Щелкунчик».

Хорошая мелодия или оригинальная аранжировка — бесспорно признак не только самобытности, но и творческой зрелости музыкального проекта — будь это исполнитель, музыкант-автор или группа . Также интересная мелодия и аранжировка могут свидетельствовать о свежести, «незамыленности» мышления, что отличает истинного творца от ремесленника, работающего исключительно на финансовый результат. Поэтому конечно — на сегодняшний момент стоящие мелодии и музыкальные аранжировки, возможно и не приносят прямого дохода, но безусловно влияют на статус музыканта, уровень его аудитории и на условное «время жизни» успешных музыкальных треков.

Говоря проще — классный, уникальный мотив сейчас перешёл из коммерческой зоны в зону престижа и элитарности. Стоит ли этим пренебрегать? Решать вам, господа музыканты и продюсеры.

К. Сокирко

Изображения в этой статье используются в соответствии с лицензией стокового сайта unsplash.com.


Цитата месяца

«Мелодия — это мысль, это движение, это душа музыкального произведения» — Дмитрий Шостакович.

2024.02.29

Музыкальное искусство, общество и мир.

Сегодня наш ресурс запускает дополнительную рубрику, в которой будут публиковаться материалы по разным темам, в которых музыка так или иначе связана с обществом, общественной деятельностью, событиями происходящими в нашей стране и мировыми глобальными событиями, а также по темам в которых музыка пересекается с другими видами искусства и спортом. Рубрика называется «Музыкальное искусство, общество и мир» и запускается в целях расширения круга тем, которые уже представлены в рамках нашего журнала.

Вместе с тем, мы не стремимся как-либо глобально менять основное направление журнала, которое было и остаётся неизменным; подавляющая часть статей на сайте напрямую связана с музыкой — так будет и впредь. Тем не менее, мы сочили необходимым создать рубрику для ознакомления наших читателей с другими направлениями, которые затрагивают различные виды искусства в целом, а также в которых музыка является неотъемлемой частью происходящих событий культуры и общества.

Статьи по данным темам не будут публиковаться на главной странице сайта (но не исключено, что это измениться в будущем), однако мы будем публиковать анонсы этих статей по мере их появления.

Сегодня мы публикуем первую статью новой рубрики, где затрагиваются глобальные спортивные проблемы на примере фигурного катания на коньках — одного из видов спорта, где музыка играет значительную роль. Читать…

Изображение в этой новости используется в соответствии с лицензией стокового сайта unsplash.com


Видео месяца


2024.01.31

Стоит ли быть академическим музыкантом — что нужно знать.

Наверное многие из музыкантов часто слышат жутко раздражающую фразу «музыкант — это не профессия» из уст людей, для которых музыка является лишь приятным развлекательным фоном. Звучит такое мнение достаточно обидно и неуважительно, особенно для академических музыкантов, о которых в большей степени пойдёт речь. Тем не менее, определённый смысл в этой фразе есть, если подходить к её пониманию, как говорят, «с торца». А именно — «музыкант» — это действительно не та профессия, путь к которой складывается по обкатанной схеме ещё с незапамятных времён, по типу «школа — институт — работа — карьера». Вернее сказать, схожесть пути есть, но это только на первый взгляд.

Стоит ли быть академическим музыкантом

Для немузыканта часто вторая половина жизни служителя муз (т. е. «работа-карьера») выглядит настолько нелогично, суматошно и в финансовом отношении непостоянно, что он вообще не понимает — как люди посвятившие себя музыке (да и любому творчеству) выживают в нашем мире. Здесь, пожалуй, стоит пояснить читателю-немузыканту, что «музыкант» — это и правда не профессия, а скорее объединяющее определение для целой группы профессий, например таких как скрипач, дирижёр, пианист, певец, музыкальный преподаватель и т. д.. Но учитывая сказанное выше, родители, отдающие своих детей «в музыку», с выстраиванием амбициозных планов на будущее, должны подойти к вопросу с максимальной ответственностью и холодной головой. И вот почему.

Начнём с психологии. Не секрет, что родители нередко сами решают нашу судьбу, но в случае с музыкантом это происходит в «глубоком» детстве. Просто потому, что иначе никак нельзя — можно упустить время, поэтому игре на некоторых музыкальных инструментах начинают обучать аж с трёх лет. Но что же значит — «упустить время»? Это значит безнадёжно отстать в развитии. И тогда достигнуть конкурентного профессионального уровня будет уже крайне сложно (прямо как в спорте, не так ли?). В этом случае наше чадо почти всё детство живёт не своими интересами и своим выбором, а чаяниями и выбором родителей, часто попадая в зависимость от родительских надежд, что может накладываться ещё и на амбиции некоторых педагогов. Те, в свою очередь, наиболее продвинутых учеников «гоняют» по конкурсам (которых сейчас пруд пруди, включая местечковые, но уже «международные», где всего две страны), чтобы получить свои надбавки. А ведь те же конкурсы — это отдельный вид стресса, к которому далеко не каждый, даже талантливый ребёнок (также, как и его родитель) готов на все сто. Что же касается педагога — хорошо, если педагог не тиран и не с «характером», но если это всё же так — тогда вообще беда. В результате мы имеем немалый шанс получить в будущем человека подавленного и зависимого, уже с собственными комплексами, которые будут его преследовать всю жизнь.

Стоит ли быть академическим музыкантом

Но поговорим об обучении. Музыканты учатся долго. Путь музыкальная школа — училище — консерватория может занимать 17-20 лет, не говоря уже о дополнительных стажировках. Причём нет единого временного «стандарта» для музыкантских профессий.

Возьмём, к примеру, дирижёров. Негласно считается, что, настоящим профессиональным дирижёром музыкант становится лишь к 40-45 годам — а всё время до этого возраста он беспрерывно учится (хотя при этом, он уже может «подрабатывать» участвуя в качестве дирижёра в концертах и спектаклях). И речь тут не о формальном получении диплома о высшем образовании. В музыкантских кругах можно найти немало примеров, когда более «юный» дирижёр, дипломированный специалист, годами сидит в залах на репетициях, наблюдая, как работают его более маститые коллеги — это считается нормой. Но даже когда музыкант учится, ещё в учебных заведениях он всё время находится «в процессе». График концертов (студенты тоже выступают и часто), конкурсов, разнообразных практик, музыкальных лабораторий может быть очень плотным.  

В то же время музыкантам необходимо много заниматься, чтобы быть в форме. На любом инструменте будь то скрипка, фортепиано или кларнет нужно заниматься каждый день, без выходных. К примеру, если хочешь стать профессиональным пианистом нужно тратить 5-8 часов на занятия каждый день. И стоит пропустить день-два — и уже твои навыки требуют восстановления. А уж после отпуска у музыканта может уйти несколько дней кропотливых многочасовых занятий, чтобы прийти в форму.

Ну а что же в перспективе? Найти работу очень непросто, даже если устраиваться в музыкальную школу, не говоря уж  колледжах и вузах. При этом полная ставка даже в консерватории — это ~ 40-45 т. р. (все примеры указаны на момент 2023 года). Можно устроиться в оркестр, но зарплату более 100 т. р. платят только в самых престижных коллективах. Например, музыкантам, играющим на струнных платят приблизительно 50-60 т. р., духовикам — побольше, но это в Москве. В остальных регионах нашей страны заработок намного скромнее — ставка может начинаться вообще от 16 т. р., в зависимости от музыкального инструмента.

Стоит ли быть академическим музыкантом

Поэтому логичный выход в такой ситуации — совмещать несколько работ (например, оркестр и преподавание) и подрабатывать, что и делает большинство музыкантов. Подработка для музыканта — это игра в различных ансамблях (трио, квартетах, квинтетах), частная преподавательская деятельность и различные «халтуры» в виде съёмок в рекламе, клипах, написания аранжировок и т. д.. Но и здесь нужно учитывать, что эти самые подработки — дело крайне непостоянное и очень трудно прогнозируемое. Предложений может не поступать до нескольких месяцев, а все расходы нужно оплачивать регулярно, включая расходы на содержание музыкального инструмента, которые в некоторых случаях сравнимы с расходами на обслуживание авто.

Кроме всего прочего, музыканты в очень редких случаях могут позволить себе жить регулярным расписанием. Репетиции, гастроли, записи, концерты — всё это не укладывается в общепринятое понимание стандартного рабочего дня или недели. Бывает так, что у музыканта за месяц может вообще не быть выходного. И эта ситуация наблюдается у всех — в том числе и у концертирующих солистов. Которые, кстати, безусловно могут зарабатывать намного больше тех сумм, что были упомянуты выше в этой статье. Но не стоит особо обнадёживаться — таких людей единицы.

Стоит ли быть академическим музыкантом

В некоторых же коллективах, особенно в театрах репетиционно-концертное расписание устроено таким образом, что планирование какой-либо жизни вне работы дальше чем на три-четыре дня становится очень затруднительным или вообще невозможным. В результате музыкант становится крайне зависимым от рабочего расписания. И даже если артист занимает «денежное» место — это нивелировано тем, что он фактически является заложником своей работы (тут невольно вспомнится и крепостное право).

Но как же быть? Неужели так всё плохо с музыкальной профессией? Совета тут можно только дать два.

Во-первых, музыка, как и любое творчество — удел увлечённых. Если, например, у ребёнка не горят глаза, он смущается, не любит излишнего внимания, да и вообще боится себя проявить на публике — его родителям в самом начале пути следует серьёзно подумать о том, сможет ли их чадо быть артистом, нужно ли это в первую очередь ему. Да и вообще понять смысл музыкального образования — для общего развития или прямо сразу в профессионалы? Ведь без горящих глаз пробиться в те же концертирующие солисты — малореально. Да, безусловно можно в двадцать лет «сесть» в оркестр и даже проработать там значительное время, но учитывая вышеописанное стоит задать вопрос — это точно та жизнь, которую вы хотите для своего чада?

Во-вторых, если выбор уже сделан, можно подстраховаться. Не стоит лишать себя или своего ребёнка возможности осваивать дополнительные профессии, не связанные с музыкой. Не стоит скупиться на дополнительные курсы или бояться осваивать новые направления самостоятельно. В перспективе это поможет не только более уверенно себя чувствовать в финансовом отношении, но и поможет устроить свою жизнь таким образом, чтобы занятие музыкой не превратилось в рабочую рутину. В конце концов, как мы уже выяснили, музыкант это ведь не профессия и не ремесло, музыкант — это творец, человек особого состояния души и чувств, а раз так — тогда и его творчество должно быть вдохновенным, а не рутинным. Ведь в конечном итоге вдохновенное творчество будет намного более результативным.

К. Сокирко

Изображения в этой статье используются в соответствии с лицензией стокового сайта unsplash.com.

МУЗЫКАЛЬНЫЙ КАЛЕНДАРЬ

  • Михаил Глинка
  • ИЮНЬ МЕСЯЦ
    Родились:
    Михаил Глинка – 01 июня 1804/ Евгений Мравинский - 04 июня 1903/ Марта Аргерих - 05 июня 1941/ Арам Хачатурян – 06 июня 1903/ Томазо Джованни Альбинони - 08 июня 1671/ Роберт Шуман – 08 июня 1810/ Тихон Хренников - 10 июня 1913/ Рихард Штраус – 11 июня 1864/ Эдвард Григ - 15 июня 1843/ Шарль Франсуа Гуно - 17 июня 1818/ Игорь Стравинский – 17 июня 1882/ Галина Уствольская - 17 июня 1919/ Жак Оффенбах – 20 июня 1819
    Родились эстрадные и джаз-музыканты:
    Кенни Джи (Кеннет Горелик) - 05 июня 1956/ Монти Александер - 06 июня 1944/ Стив Вай - 06 июня 1960/ Коул Портер – 09 июня 1891/ Армандо Энтони «Чик» Кориа – 12 июня 1941/ Маркус Миллер - 14 июня 1959/ Эсбьёрн Свенссон - 14 июня 2008/ Энтони Джексон - 23 июня 1952
    Покинули нас:
    Иоганн Штраус-сын - 03 июня 1899/ Жорж Бизе - 03 июня 1875/ Елена Гнесина – 04 июня 1967/ Иоганн Кунау - 05 июня 1722/ Орландо ди Лассо - 14 июня 1594/ Геннадий Рождественский - 16 июня 2018/ Сергей Танеев – 19 июня 1915/ Николай Римский-Корсаков – 21 июня 1908/ Дариюс Мийо – 22 июня 1974/ Рейнгольд Глиэр - 23 июня 1956
    Покинули нас - эстрадные и джаз-музыканты:
    Стэн Гетц - 06 июня 1991/ Рэй Чарльз – 10 июня 2004/ Орнетт Коулман – 11 июня 2015/ Бенни Гудмен (Бенджамин Дэвид Гудмен) - 13 июня 1986/ Элла Джейн Фицджеральд – 15 июня 1996/ Майкл Джозеф Джексон - 25 июня 2009

Прокрутить вверх